Stilul op art în îmbrăcăminte. Magie captivantă a stilului op art Stilul op art în îmbrăcăminte

Numele stilului op art vine din limba engleză. „op art”, abreviere pentru optical art - „optical art”. Această mișcare neo-avangardă a artei abstracte a apărut în anii 1950 și s-a răspândit în Europa și în Statele Unite în anii 1960. A devenit una dintre alternativele intelectuale la arta pop mass media.

Artiști op art precum Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz și alții au creat iluzii optice spațiale și imitarea mișcării în lucrările lor cu ajutorul celor simple care se repetă și curg unul în celălalt. forme geometrice.

În fotografie: model Versailles de la fabrica Bisazza, design Braga Marco.

Deși a avut puțin efect asupra arhitecturii, op art a avut o mare influență asupra designului grafic și decorațiunii interioare. Astfel, pereții au fost acoperiți cu tapet multicolor cu moire și modele concentrice care imit mișcarea și vibrația, sau decorați cu mari dimensiuni. panouri de perete(„Supergrafică”). Pentru a crește vizual volumul camerei, s-au folosit diverse efecte optice. Exemple vii Aici pot servi faimoasa piscină pictată și o scară cu balustrade „adevărate” care coboară în ea, precum și o „ușă” ușor deschisă către o încăpere inexistentă. Iluzia mișcării spațiale, a înălțării și a îmbinării formelor a fost realizată cu ajutorul contrastelor ascuțite de culoare și tonal, repetări ritmice, intersecția configurațiilor spiralate și rețelei și linii de răsucire. Schimbarea instalațiilor luminoase, s-au folosit adesea designuri dinamice, s-au folosit materiale cu suprafață reflectorizantă (metal, sticlă, plastic) și diverse țesături.

• 1 din 1

In fotografie:

Designul mobilierului a fost dominat de linii netede, curbate, combinații de culori contrastante (alb – negru). Cel mai adesea a fost realizat din materiale transparente cu o suprafață reflectorizantă (sticlă, plastic, fire metalice împletite ale cadrului).

Motivele principale:

Comentează pe FB Comentează pe VK

Tot in aceasta sectiune

Oleg Lyugin, director de dezvoltare al companiei de distribuție MMS Cinema, explică de ce o companie care produce difuzoare pentru redarea muzicii ar putea fi de interes pentru designeri și consumatori.

Stilul arhitectural mansardă, care a apărut din spațiile industriale, oferă oportunități enorme pentru imaginație. Aici, în vechile clădiri pline de viață ale fabricii, este cel mai mult idei creative.

Astăzi, multe case rusești au o cameră separată pentru mâncare. Dar nu a fost întotdeauna așa. De unde provine cantina? Cine a inventat-o ​​și de ce a dispărut timp de aproape un secol?

Producția în masă a celor mai emblematice articole de zi cu zi a fost precedată de ani, și uneori de decenii, de cercetare inginerească. Vă prezentăm cele mai utile invenții pentru casă din istorie.

În secolele precedente, decorațiuni pomi de Crăciun simboliza tradiția Evangheliei, apoi - prosperitate și bogăție. Și în secolul al XX-lea, s-ar putea afla despre evenimentele cheie din viața țării din decorarea pomilor de Crăciun din Rusia.

În zilele noastre, aproape toți părinții încearcă să aloce o cameră separată pentru copilul lor. Dar, relativ recent, copiii nu aveau propriile „apartamente” sau erau foarte diferiți de azi.

Numele vine din engleză. hi-tech, abreviere pentru înaltă tehnologie – tehnologie înaltă. High-tech este cunoscut și ca stil industrial. Născut în urma postmodernismului în Marea Britanie.

Mișcare postmodernistă de design care a apărut în Marea Britanie în anii 1970 și 1980. Caracterizat printr-un refuz de a proiecta articole produse în serie în favoarea producției limitate

Denumirea stilului provine de la abrevierea popular art (engleză) - popular art. Al doilea sens al cuvântului este asociat cu engleza onomatopeică. pop – lovitură bruscă, palmă, palmă, i.e. ceva

Numele provine din franceză. postmodernism - după modernism. Principala caracteristică a acestei tendințe este utilizarea haotică a elementelor împrumutate din stilurile istorice din trecut.

Grupul postmodern Memphis a fost fondat la 11 decembrie 1980 la Milano de designerii Ettore Sottsass, Andrea Branzi și Michele de Lucchi.

Termenul se întoarce la francezi. rococo, din rocaille - fragmente de pietre, scoici. Rococo a apărut în Franța în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Perioada de glorie (aproximativ 1725-1750) a avut loc în timpul domniei lui

Stilul în arta și literatura europeană XVII - începutul XIX secol. Numele provine din lat. classicus - exemplar și exprimă esența stilului: se concentrează pe formele artei antice ca

Conceptul principal al acestui stil este imitarea formelor naturale și utilizarea predominantă a materialelor naturale. A apărut în stilul Art Nouveau la începutul secolului al XX-lea.

Suprarealismul (franceză surréalisme - super-realism) este o mișcare artistică care s-a dezvoltat în cadrul modernismului la începutul anilor 1920 în Franța. Scriitorul și poetul este considerat fondatorul și ideologul său

Un stil care a existat în anii 1920 în principal în Rusia (în arhitectură, decorare, artă afișată, artă teatrală și decorativă, edituri, construcții, design).

Anii șaizeci au devenit deceniul subculturii tineretului, al modei și minimalismului excentric „hârtiei” și „plasticului”. Adolescenții europeni și americani au protestat împotriva politicilor țărilor lor, demonstrând o atitudine negativă față de societatea de consum cu ajutorul hainelor second-hand. Ignorarea modelelor de designer de către tineri nu a împiedicat debutul de mare profil al lui Yves Saint Laurent și Valentino Garavani, care a avut loc și în „nebunii ani șaizeci”. „Dacă îți amintești de anii ’60, atunci nu erai în viață”, a spus producătorul The Doors, Dick Wolf.

„Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!”

Poate cea mai extravagantă tendință de modă a anilor 1960 a fost stilul spațial. În 1961, iar acest lucru a influențat nu numai dezvoltarea științei, ci și a modei. Designerii s-au inspirat din noi perspective și au început să creeze modele bizare, „străine”. Pionierul „modei spațiale” a fost designerul Andre Courrèges, ai cărui fani purtau cizme de lună și ochelari de soare în formă de mingi de tenis. Courrèges a creat rochii scurte, asemănătoare copiilor, decorându-le cu paiete strălucitoare și accesorii neobișnuite.

Pentru astfel de modele, materialele artificiale, mai degrabă decât cele naturale, s-au dovedit a fi mai potrivite - sintetice, plastic, vinil. Creatorii de modă au decorat rochii discuri de vinilși erau folosite și pentru a fixa elementele costumului de baie. Metalul a fost folosit și ca material. Desigur, salopetele strălucitoare, căștile cu forme bizare și scuturile pentru ochi nu au prins rădăcini pe străzi, dar podiumurile de la acea vreme erau pline de modele „spațiale” neobișnuite, create de designeri de modă celebri și.

Moda pentru fibre sintetice a crescut treptat într-o tendință de a crea haine din materiale care au fost utilizate anterior în scopuri complet diferite. Designerii au experimentat cu materiale realizate pentru costume spațiale, îmbrăcăminte sportŞi uniformă militară. Modelele au pășit pe podium în haine din vinil și dacron, care, în comparație cu moda conservatoare pariziană din deceniile precedente, arăta super original și chiar revoluționar. Excentricitatea ținutelor propuse de designeri a fost considerată un plus - pentru mulți, anii 1960 au trecut sub motto-ul: „Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!” Odată cu tendințele „plastic” și „vinil”, a avut loc și un „boom hârtie” în lumea modei în această perioadă.

În 1966, în SUA, fabrica lui Scott a început să producă îmbrăcăminte pe lângă articolele de uz casnic din hârtie. Modelele de hârtie au venit în două culori - alb-negru și galben-negru-roșu. Colecția s-a numit „Explosion of Color” și s-a recomandat să o schimbi cu foarfecele și să o reparăm folosind o coală de hârtie. O rochie similară putea fi purtată de până la cinci ori, iar modelele de modă „de hârtie” erau vândute în magazine speciale. Producătorii au prezentat noile costume ca întruchiparea unei idei inovatoare strălucitoare și a unei opere de artă modernă.

Prinse noua tendintaÎn producția de masă, designerii au început să creeze modele de hârtie. Jurnaliştii şi publicul i-au numit pe Eliza Dabbs şi Harry Gordon, care produceau rochii pentru trei dolari bucata, „couturieri de hârtie”. Cu toate acestea, nu toți designerii au fost atât de democratici - adesea prețurile pentru modelele din hârtie puteau fi comparate cu ținutele couture. În New York, pe Madison Avenue, s-a deschis boutique-ul Paraphenalia, care vinde îmbrăcăminte super-modă din plastic și hârtie. „Oricine tratează hainele cu patos este dezgustător, la urma urmei, acestea sunt doar haine. Ar trebui să fie amuzante, nu pot fi luate în serios”, unul dintre fondatorii Paraphenalia, Paul Young, care a fost co-fondator al magazinului de cult. , a exprimat sentimentele în rândul tinerilor.

Artă în modă

Pe fundalul popularității picturilor „Green Coca-Cola Bottles” și „Campbell Soup Cans”, Warhol a început să-și transfere celebrele desene pe țesătură, creând haine din propriile sale schițe, a lansat „Sticlă”, „Fragilitate”. rochii și cămașa „Soup”, care a devenit populară „Campbell”. Desenele în stilul pop art au fost, de asemenea, folosite de alți designeri în modelele lor, făcând transferul repetat al obiectelor familiare pe țesătură una dintre cele mai izbitoare tendințe de modă ale anilor 1960.

Dacă influența cinematografiei asupra modei s-a simțit în deceniile precedente, atunci pictura a pătruns în industria modei tocmai în anii șaizeci. O altă tendință care s-a reflectat pe scară largă în îmbrăcămintea de masă a fost stilul op art. Picturile realizate în acest stil s-au bazat pe efecte de lumină și contrastul de negru și flori albe. Tendința de a exprima sentimentele umane folosind efecte optice a început în anii 1950 și s-a răspândit la mijlocul anilor 1960. Pânzele contrastante alb-negru i-au făcut adesea amețiți pe spectatori, iar designerii de modă au fost atrași de stilul op art prin simplitatea și noutatea sa grafică. De obicei, astfel de modele de îmbrăcăminte erau de croială simplă, care, totuși, a fost mai mult decât compensată de formele geometrice distorsionate, cercuri stilizate și spirale și dungi monocrome descrise pe țesătură. „Noul val de design pe țesătură a fost numit op art. Arhitectura modernă și pictura au devenit baza designului”, a scris revista Neue Mode în 1966.

Moda nouă, oarecum excentrică, a fost extrem de populară în rândul adolescenților. Printre creatorii de modă care s-au inspirat de noile tendințe în pictură s-au numărat Larry Aldrich, Andre Courrèges,. Acesta din urmă, în 1965, a prezentat publicului o colecție bazată pe opera unuia dintre fondatorii picturii abstracte, Piet Mondrian. Creatorii de modă au oferit o mare varietate de accesorii nebunești și contraste de culoare, dar juxtapunerea alb-negru a devenit adevăratul hit al deceniului. Începând cu anii 1960, designerii s-au inspirat constant din alte forme de artă, confirmând astfel că frumusețea nu este o categorie constantă, ci una variabilă.

„Radical chic” și stilul subculturilor

Alături de capitalele mondiale ale modei Paris și Milano, Londra a început să-și dicteze stilul în anii 1960. Publicațiile de vârf au numit capitala Angliei un nou centru de stil și modă, iar designerii britanici, sfidând Parisul conservator, au oferit modele extravagante, care a devenit un adevărat simbol al deceniului.

După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial și depășirea crizei, situația financiară în ţările europene a început să se îmbunătățească. Tinerii au dedicat mai mult timp muzicii, cinematografiei și altor divertisment. Așa a pătruns moda americană pentru blugi și jachete de piele în stilul londonez, iar emigranții din fostele colonii britanice au adus stilul Indiei de Vest în capitala Angliei. Noua direcție, formată sub influența unei varietăți de tendințe și culturi, a vizat în primul rând adolescenții. Pe străzile Londrei la acea vreme se puteau întâlni atât tineri în ținute etnice, cât și „rebeli” în tricouri și blugi decolorați. În 1966, Time Magazine a publicat un articol intitulat „Londra – Swing City”. La sfârșitul deceniului au fost lansate filme care reflectau spiritul revoluționar al acelei perioade: Blow-Up de Michelangelo Antonioni și The Spectacle de Nicolas Roeg. În același timp, magazinele de vânzare cu amănuntul au apărut pe strada Carnaby, care devenise un loc emblematic în „Londra swinging”. În anii 1960, buticuri ofereau tinerilor modele revoluționare, iar strada a devenit faimoasă în întreaga lume ca centru al modei independente.

Sentimentele rebele din anii '50 au trecut în anii '60. În această perioadă, chiar și adolescenții din familii înstărite s-au îmbrăcat în magazine second-hand, subliniind exclusivitatea lor și protestează împotriva societății de consum. În orașele mari, piețele cu îmbrăcăminte retro au devenit populare adolescenților nu le era frică să combine articole de modă veche din diferite epoci, fără să se îngrijoreze de modă; În timp ce tinerii înstăriți și-au demonstrat subcultura purtând în mod deliberat haine vechi, pentru adolescenții din familii sărace această tendință a devenit o oportunitate de a se conforma tendințelor și de a nu cheltui bani. Spiritul rebel, însă, a fost ridiculizat de mulți jurnaliști, care au numit sărăcia stilizată o batjocură a sărăciei reale. Scriitorul american Tom Wolfe a vorbit despre tineri ca fiind copii capricioși care se joacă la revoluție și a numit stilul vestimentar în sine „radical șic”. Creatorii de modă, încercând să mulțumească gusturile în schimbare, au început să creeze modele în stilul anilor 30 și 40, dar hainele de designer „retro” nu erau foarte populare - contracultura ignora moda.

Respingerea stilului de doamnă și toate tendințele populare în deceniile anterioare au dus la cea mai vibrantă și masivă mișcare din a doua jumătate a anilor șaizeci - hipioții. Au purtat „copii flori” care promovau dragostea și pacea și care nu erau de acord cu politicile statelor lor haine exotice, aduse din alte tari: poncho sud-american, tunici indiene si coifuri eschimoase. Ținutele luminoase și bogat brodate ale hipioților au fost completate cu bijuterii masive - în principal brățări și curele indiene. Filosofia hippie a devenit atât de populară încât mulți designeri de modă au remarcat declinul funcționalismului. „În contrast cu stilul romantic și stilul art nouveau, folclor și stiluri sportiveîmpreună cu hainele colorate mexicane se bucură astăzi de un succes extraordinar”, a scris revista Neue Mode Motive indiene neobișnuite, strălucitoare și atractive au capturat toată Europa și America în anii 1960, iar tinerii purtau acum jachete „Yeti”, fuste colorate, pantaloni evazați. Pantaloni turcești, cămăși brodate și paltoane lungi de blană În ciuda faptului că reprezentanții subculturilor înșiși erau sceptici cu privire la modă, publicațiile lucioase au scris asta stil nou merită o atenție deosebită și este capabilă să aibă un impact serios asupra industriei modei.

La sfârșitul deceniului, îmbrăcămintea luminoasă psihedelic de la materiale artificiale a dispărut în fundal, iar stilul militar a devenit un adevărat hit. Utilizarea obiectelor militare în viata de zi cu zi a fost și un fel de protest care a urmat protestelor care au măturat Europa în 1968: așa au încercat tinerii să dea hainelor destinate bătăliilor un caracter pașnic. Camuflajul cu pete aspre a fost decorat cu simboluri ale păcii, fustele și pantofii în stil militar erau vopsite în roșu și culori roz. Reprezentanții diferitelor subculturi purtau astfel de haine, iar jachetele erau deosebit de populare dimensiuni mari cu simboluri ale forțelor aeriene americane. În același timp, designerii de modă au început să experimenteze cu verdele măsliniu, numit kaki.

Tendința către minimalism și principalul simbol al deceniului

În anii 1960, îmbrăcămintea confecționată din țesături elastice s-a răspândit. Ideea că a avea multe haine în garderoba era incomod și că femeile se puteau descurca cu ușurință doar cu câteva modele de bază a fost vizitată de designeri de modă încă din anii 1930 și 1940. Claire McCardell în 1934 a propus înlocuirea întregii varietăți de stiluri și modele cu câteva elemente de bază, iar la începutul următorului deceniu a fost prima care a creat tricou - colanți cu mâneci lungi— și a făcut din ea baza imaginii. Designerul de modă a considerat că piesele de bază ale garderobei sunt un turtleneck negru și colanții. Ideea de a combina mai multe articole simple a devenit cu adevărat populară în anii șaizeci, când femeile erau încurajate să aibă în garderobă doar un top, jachetă, fustă și pantaloni.

Reducerea cantității de îmbrăcăminte la minim în această perioadă a devenit posibilă datorită apariției țesăturilor elastice. În anii 1960, designerul de modă Giorgio di Sant'Angelo a început să caute noi modalități de a crea țesături. A lucrat cu lână și fir acrilic și a inventat și mătasea elastică care se putea întinde în orice direcție. Atât costumele de baie, cât și topurile de seară au fost confecționate din mătase elastică și lycra. Designerul de costume Jacques Fonterey scria în 1968: „Sunt încrezător că tricoutul, sau una dintre soiurile sale, va deveni elementul vestimentar de bază al viitorului”. Fonterey s-a dovedit a avea dreptate: exact modele elastice Anii 1960 au servit drept bază pentru creație haine moderne- de la treninguri la rochiile de seara.

Anii 1960 au devenit un alt deceniu care a schimbat complet ideile despre standarde frumusețe feminină. Dacă după război designerii de modă s-au concentrat pe mamele de familie și pe femeile cu curbe, atunci în anii șaizeci androginia a revenit la modă, iar celebra a devenit un simbol al noilor standarde de atractivitate. O adolescentă slabă, cu ochii deschiși naiv, a apărut pe coperțile publicațiilor de top, iar fetele din întreaga lume au început să urmeze diete stricte, dorind să fie ca idolul lor. Twiggy a devenit primul model a cărui imagine a întruchipat idealurile deceniului, creatorii de modă au creat haine pentru fete foarte slabe, cu siluete băiețești. Ea a apărut în reviste de modă și pe afișe purtând fuste mini și rochii Mary Quant și a întruchipat stilul „păpușă” care era extrem de popular în anii ’60. Împreună cu fanii ei, Twiggy a avut și răi - mulți jurnaliști au numit-o o fată dureros de slabă și „foame”, dar acest lucru nu a împiedicat răspândirea modei pentru androginie - în anii șaizeci, bărbații mergeau adesea cu par lung, iar femeile tinere au preferat tunsori scurteși rochii mini, exprimând astfel reticența de a crește.

Debuturi de mare profil din anii 1960

Anii şaizeci au marcat începutul unei cariere strălucite, care s-a declarat cu voce tare la începutul deceniului. În 1957, după moartea lui Christian Dior, Saint Laurent, în vârstă de 21 de ani, a preluat funcția de director de creație al Casei Dior. Cu toate acestea, deja în 1960, tânărul creator de modă și-a creat ultima colecție pentru brand: directorii Dior au decis că tânărul designer nu are dreptul să impună street style fanilor modei înalte și și-au luat rămas bun de la Saint Laurent. Doi ani mai târziu, couturierul și-a lansat prima colecție sub nume propriu, pentru care a creat un blazer la dublu, cu nasturi aurii și pantaloni de mătase. Mai târziu, designerul de modă însuși și mulți alți designeri au folosit acest model.

Yves Saint Laurent a fost unul dintre primii designeri de modă care nu s-a temut să creeze haine revoluționare în stilul op art și pop art și, de asemenea, a oferit un smoking pentru femei și ținute în stilul „Africa” și „Safari”. El a combinat cel mai mult cu îndrăzneală culori luminoase, o rochie roz aprins completată de o jachetă canar, combinând negru cu maro, portocaliu cu roșu și violet cu albastru.

Un alt debut de mare profil al deceniului a fost apariția în lumea modei a „șeicul șicului” italian Valentino Garavani. Educat la Paris, s-a întors în Italia natală la sfârșitul anilor 1950, unde a deschis o casă de modă care a prezentat lumii legendarele sale rochii roșii. Rochiile strălucitoare au devenit cartea de vizită a lui Garavani, iar designerul a distins treizeci de nuanțe de roșu. Debutul internațional de mare profil al lui Valentino a avut loc în 1962, iar în 1968 a fost lansată celebra sa „colecție albă”, constând în întregime din lucruri alb. În același timp, designerul de modă a folosit pentru prima dată sigla „V”. Rochiile feminine de la Valentino au devenit simboluri ale vieții de lux, iar vedetele de la Hollywood l-au inundat pe couturier cu comenzi. În 1968 rochie din dantela din Garavani, în care s-a căsătorit cu Aristotel Onassis, a apărut pe paginile aproape tuturor publicațiilor de top.

Stilul original op-art (op-art este prescurtarea pentru arta optică) a explodat literalmente în modă, născut din mișcarea de pictură cu același nume.

Stilul vine din anii 60

Care sunt caracteristicile anilor 60 ai secolului trecut? Poate că principalul lucru este triumful spiritului de libertate și, ca urmare, fuste mini, țesături sinteticeși prima reclamă de avangardă. Prin urmare, atunci s-au născut mai multe stiluri non-triviale, care au fost destinate să revoluționeze ideile despre modă. Op art a apărut și în acel moment. Tatăl său a fost artistul parizian Vasarely, care a folosit o tehnică specială de imprimare de aplicare a mai multor straturi de vopsea, creând spațiu tridimensional folosind o iluzie optică. Op art se bazează pe linii, triunghiuri, pătrate, cercuri... împletite complicat, dând naștere la noi forme.

Efect de imprimare iluzionar

Unii au negat categoric futurismul artei operaționale, neacceptând „artificialitatea” și natura iluzorie a acestuia, dar unii dintre cei mai îndrăzneți couturieri au devenit serios interesați de un efect atât de neobișnuit și l-au întruchipat în lucrările lor. Andre Courrèges, Mary Quant, Larry Aldrich au folosit de bunăvoie efectul optic al noilor imprimeuri în modelele lor.

Geometrie strălucitoare

Op art se simte grozav astăzi în îmbrăcămintea pentru tineret - aruncați o privire la colaje sau imagini cu legende ale stilului de pe tricouri și genți. Geometria strălucitoare este o temă preferată a unor vedete pop și chiar și maeștri, precum Franco Moschino, sunt pasionați de op art. Dar în viața obișnuită trebuie să fii atent cu el. Unul sau două lucruri sau un accesoriu cu „efect iluzoriu” este suficient un look în full op art este bun doar pentru cei mai tineri, zvelți și îndrăzneți. Principalul lucru este să nu exagerați. Iată câteva modele și look-uri de la Burda în stilul op art care vor adăuga o notă strălucitoare, excentrică, garderobei tale obișnuite și îți vor oferi o stare de spirit grozavă.

Astăzi poți găsi o mare varietate de ținute, care diferă prin croială, stil, croială și culoare. Dar unele dintre cele mai uimitoare sunt, poate, cele create în stilul op art.

Istoria artei op

Ca tendință la modă, op art în îmbrăcăminte a apărut la limita anilor 50 - 60 ai secolului trecut și a devenit unul dintre noile produse ale vremii. Numele este prescurtat; se pronunță integral ca „artă optică” și este tradus din Limba englezăîn cel mai adevărat sens al cuvântului – artă optică.

Esența sa constă în faptul că, cu ajutorul formelor geometrice repetate în mod repetat, se creează un efect de volum sau de mișcare pe o suprafață absolut plană. Suntem familiarizați cu astfel de desene de mult timp, dar nu ne-am gândit niciodată cum se numesc.

La început, op art a fost folosită de artiști. Și, conform datelor istorice, fondatorul acesteia a fost un anume Victor Vasarely, care și-a pictat legendara pictură „Zebre” în 1938.

Designerii americani au fost primii care au decis să folosească iluzia în țesături. Datorită noii abordări, au reușit să creeze ținute care au „netezit” vizual silueta, făcând pieptul și șoldurile mai expresive și talia mai subțire.

Unul dintre ei a fost Yves Saint Laurent, care le-a folosit pe cele mari în rochii de cocktail pentru toamna-iarna anilor 1965-1966. În zilele noastre, op art a revenit datorită Vogue, care a publicat fotografia „Op position” în 2001, unde au fost folosite printuri optice.

Artiștii moderni sunt capabili să creeze astfel de desene încât să se miște în valuri sub privirea noastră sau să își schimbe forma. Deși dacă te uiți cu atenție, pare că totul rămâne așa cum a fost și în același timp, din nou, pare că ceva s-a schimbat. O abordare interesantă trebuie să spun.

Op art astăzi

Înalta modă nu stă niciodată în afară de astfel de inovații și, prin urmare, op art în îmbrăcăminte a putut fi găsită atât anul trecut, cât și anul acesta. Mai mult, și-a găsit în mod regulat utilizarea în multe colecții de la cele mai cunoscute mărci. Astfel, mărcilor Alexander McQueen, Anna Sui, Roberto Cavalli, Yves Saint Laurent, Climence Ribiero, Top Shop și multe altele au plăcut formele geometrice.

Au folosit pe scară largă romburi, triunghiuri, linii oblice și drepte, precum și modele netede de flori și forme pur și simplu abstracte. În ceea ce privește culoarea, regula principală aici este o combinație de contraste și culori luminoase, așa că hainele în acest stil nu pot fi gri și discrete. Cele mai importante nuante, desigur, sunt alb-negru. Puteți crea cele mai incredibile variații din ele.

In sezonul toamna-iarna 2012-2013, tinutele din acest stil au putut fi vazute in lucrarile lui Rochas, Prada, Versus si Miu Miu Si doar uita-te la colectia de haine de primavara de la Louis Vuitton pentru 2013, în care designul principal a fost folosind negru, alb, galben, verde, maro și alte culori strălucitoare.

Reguli pentru alegerea hainelor în stil op art

Când cumpărați haine în stilul op art, trebuie să înțelegeți că cu ajutorul lui puteți obține un aspect mai perfect. Astfel, liniile întunecate de-a lungul părților laterale fac vizual o femeie mai subțire, iar liniile orizontale de-a lungul întregii lungimi a rochiei pot face o femeie să pară mai subțire. fata slaba cu un mic bust într-o frumusețe destul de expresivă. La fel, modelele verticale te fac să pari mai înalt.

Este foarte bine să folosești aceste haine pentru fetele plinuțe. Se poate face metoda franceza, care are ca scop sublinierea principalelor avantaje ale figurii, sau metoda rusă - concepută pentru a ascunde defectele.

Dar atunci când îți creezi imaginea din astfel de ținute, trebuie să fii extrem de atent să arăți frumos, și nu strălucitor și inestetic. Pentru a face acest lucru, trebuie luat în considerare faptul că dacă ai un costum în care atât partea de sus cât și cea de jos conțin așa-numitele imprimeuri psihedelice, accesoriile trebuie alese monotone și cât mai calme. Un clutch monocromatic și aceiași pantofi vor merge bine cu toate acestea.

Dacă doriți, puteți chiar să combinați două imprimeuri geometrice diferite, principalul lucru este că au aceeași schemă de culori sau aceleași forme ale modelelor. Cu toate acestea, este foarte posibil să combinați op art cu modele complet diferite - animale sau florale. În acest din urmă caz, este important ca unul dintre ele să fie dominant, iar celălalt complementar.

Aceasta este o direcție interesantă căreia trebuie neapărat să fii atent dacă vrei să arăți frumos și neobișnuit.